ACT0802V - Séminaire Arts de la scène

Semestre Second semestre
Volume horaire total 50

Responsables

Partie 1 : Renaud Bret-Vitoz

Partie 2 : Elise van Haesebroeck

Contenu

Partie 1 : Du héros populaire au peuple sur scène

Descriptif : Ce séminaire d’histoire du théâtre et d’esthétique de la scène interrogera la notion de héros populaire et ses métamorphoses dans les arts du spectacle, depuis l’époque classique jusqu’au seuil du drame moderne. Dès l’époque classique, le « caractère » dramatique est exclusivement défini en fonction du genre de la pièce : héros ou héroïne aristocratique dans la tragédie, personnage bourgeois ou populaire dans la comédie ou la farce. Parallèlement, tout un personnel est exclu de la représentation théâtrale (foule désordonnée et caractères rustres dans la tragédie, figures nobles dans la comédie). Comment distingue-t-on, et sur quels critères, le protagoniste de premier plan et le(s) figurant(s) ? le chœur anonyme ou collectif et le héros individuel ? Suivant les époques, le théâtre bouleverse la hiérarchie sociale sur scène et introduit de nouvelles catégories politiques qui fragilisent les distinctions entre rang, naissance, fortune et mérite personnel. Quels sont alors les mécanismes d’héroïsation ? Quel rôle joue le dispositif théâtral (scène tribune, action scénique contre rhétorique, rôle de la voix et de la prise de parole pour rivaliser avec les figures d’autorité traditionnelles…) ? Le séminaire présentera et analysera à travers des œuvres (extraits distribués en cours), l’iconographie et des ouvrages théoriques les intrusions sur la scène des caractères hors normes, des héros « hors du rang » et contestataires, tels les héros de basse condition, la foule révoltée, le groupe de figurants devenu actant, le valet rusé et sophistiqué, le brigand, le paria, le parvenu.

Partie 2 : Corps en scène, corps comme scène, corps obscène

Descriptif : Corps performatifs, corps déballés, corps étendus, corps augmentés, corps cyborg : autant de termes qui indiquent un changement de la conception du corps de l’artiste. En effet, sur les scènes théâtrale, chorégraphique et performative on est progressivement passé du corps en scène au corps comme scène. Comment le corps de l’artiste devient-il un corps pour la scène, un corps en scène, un corps comme scène, un corps ob-scène ? Nous penserons le corps en scène comme corps critique : il s’agit de faire du corps un projet à comprendre, à affiner, à creuser. Nous privilégierons les problématiques transversales qui permettront une réflexion croisée sur les arts, en considérant les rapports du théâtre à la danse, au cirque, à la performance et aux arts installatifs. Nous confronterons les concepts – et plus précisément celui d’obscène - à l’analyse de spectacles qui se jouent à Toulouse au second semestre.

Contrôles des connaissances